Novo filme da franquia sci-fi iniciada na TV traz intérprete de Sherlock como vilão

Mesmo sendo fascinado pelo gênero sci-fi, nunca fui fã de Star Trek. Via ocasionalmente uma reprise ou outra da série clássica ou de seus filmes derivados, contudo jamais cheguei a me encantar efetivamente por aquele universo e seus personagens. Isso até 2009 quando surgiu Star Trek e me descobri, pela primeira vez, genuinamente encantado pela criação de Gene Roddenberry iniciada em 1967 e reintroduzida quatro anos atrás para velhas e novas platéias num reboot inteligente que conseguiu agradar tanto fãs veteranos quanto recém convertidos como eu. Sendo assim, era alta a expectativa que criei em torno desse Além da Escuridão – Star Trek, sequência daquele filme com J.J. Abrams (e seus flares, claro) mais uma vez assumindo o posto de diretor a partir de um roteiro assinado por Roberto Orci, Alex Kurtzman e Damon Lindelof, mesmo trio do primeiro filme que retorna ao lado do compositor (e mago diria eu) Michael Giacchino.

Tão grandioso e empolgante quanto seu antecessor, Além da Escuridão equilibra-se entre fazer todo tipo de referência (e reverência) a elementos já consagrados daquele universo e em subverter (graças à nova timeline introduzida no filme de 2009) algumas das relações entre os personagens principais de maneira bem curiosa. Nesse contexto, é interessante ver como o roteiro brinca ao fazer eco a eventos de Star Trek – A Ira de Khan (filme de 1982), por exemplo, ao mesmo tempo em que cria uma dinâmica bem mais instigante entre Kirk e Spock. É essa dinâmica, aliás, que surge como uma das duas grandes forças do filme, visto que ao colocar os dois personagens em conflito (entre si num primeiro momento e depois com a moral e comportamentos de cada um que aludem à tal escuridão do título) o filme fomenta o desenvolvimento dos dois dentro da narrativa ao mesmo tempo em que revela-os bem mais amadurecidos e principalmente mais interessantes ao final da história.

E se o primeiro grande acerto do filme concentra-se em seus protagonistas, o segundo reside no personagem do excelente Benedict Cumberbatch (da série Sherlock), que constrói um vilão tão ameaçador quando o Nero do primeiro filme, mas muito mais tridimensional e inteligente, considerando que suas ações surgem sempre pautadas por uma motivação ideológica até certo ponto compreensível e que acaba moldando as próprias escolhas que Kirk e Spock fazem à medida em que a trama evolui. Aliás, é curioso notar como o filme traça – por coincidência ou não, um paralelo contemporâneo entre a história do vilão de Cumberbatch e a do terrorista Osama Bin Laden, já que seu personagem surge, à primeira vista, justamente como um aliado de uma potência militar contra outra, mas que eventualmente acaba abraçando sua real agenda e mudando radicalmente de posição até voltar-se contra aqueles que o apoiaram/criaram.

Contudo, se por um lado há muita coisa que mereça ser festejada nesse Além da Escuridão (como o escopo dos efeitos visuais, por exemplo, que conferem uma dimensão épica a momentos-chave da trama como aquele que já mostrava, num dos trailers, a queda de uma nave na Terra) por outro há certos elementos que diminuem, ainda que não de forma definitiva, o impacto do resultado final da produção. Sob essa perspectiva, ao investir num caráter episódico em boa parte da narrativa com pequenos ganchos, o roteiro cria, por vezes, a sensação de que não estamos vendo um filme, mas sim um grande game onde os personagens encaram pequenos desafios a cada 10 ou 15 minutos antes de atingir o próximo nível.

Além disso, vale citar também que por ser convertido, o 3D nada faz em prol da trama já que sem ter sido pensado como ferramenta para um fim na concepção do roteiro, sua utilização acaba funcionando apenas como distração e desculpa para ingressos mais caros. Outro ponto passível de crítica está na visível dificuldade que J.J. Abrams tem para dirigir sequências de ação mais elaboradas, já que em algumas delas o desafio de tentar entender o que está acontecendo na cena é grande, dada a quantidade de cortes rápidos e de movimentos bruscos da câmera que salta de um eixo a outro sem muita organização espacial.

A sorte do J.J., do filme (e nossa, por tabela, claro), é que se ele falha por um lado aqui e ali, por outro compensa tudo ao desenvolver muito bem o aspecto emocional de cada um de seus personagens e a maneira como agem e reagem frente cada conflito, o que não só faz com que nos importemos verdadeiramente com seus destinos e escolhas, mas que também torçamos, desde já, para que a próxima aventura da Enterprise não demore muito a surgir nas telonas levando-nos, como diz o capitão Kirk, audaciosamente onde nenhum homem jamais esteve.

Além da Escuridão – Star Trek estreia oficialmente no dia 14 de junho no Brasil

O personagem de Benedict Cumberbatch ainda é um mistério, mas no mais novo spot de Star Trek Into Darkness (o 2⁰ filme da franquia dirigido por J.J. Abrams) exibido ontem durante o Super Bowl, o intérprete de Sherlock ganha mais espaço e ajuda a aumentar ainda mais a expectativa em torno desse que deve ser um dos grandes blockbusters do ano no Cinema. Star Trek: Into Darkness chega aos cinemas dos EUA no dia 17 de maio e nos do Brasil (com o título Além da Escuridão: Star Trek) quase um mês depois, no dia 14 de junho.

Vídeo também traz a participação do ator Josh Gad

O filme jOBS ganhou vídeo e data de estreia para 19 de Abril nos EUA. Dirigido por Joshua Michael Stern, o longa contará a histórica do gênio da informática Steve Jobs, com enfoque nos seus anos de faculdade e início da constituição da então Apple Computer. O filme não contará a história recente do CEO, falecido em 2011, que deverá ser abordado no longa de Aaron Sorkin (The Newsroom), baseado em sua biografia oficial. No elenco, além de Kutcher (Two and a Half Men), estão Josh Gad (The Book of Mormon e 1600 Penn, interpretando o colega de Jobs e co-fundador da Apple, Steve Wozniak), Dermot Mulroney (New Girl), James Woods (Shark) e J.K. Simmons (The Closer). Veja o trailer abaixo:

Co-criador de LOST comandará o novo filme da saga de George Lucas

Nada de Ben Affleck, Spielberg ou até mesmo George Lucas. J.J. Abrams, o co-criador de Alias, LOST e Fringe e também diretor dos sucessos Mission: Impossible III, Super 8 e Star Trek será o diretor do aguardado 7º episódio de Star Wars, agora que a franquia foi adquirida pela Disney. A notícia foi dada com exclusividade pelo site The Wrap. A co-produção deve ficar a cargo da companhia de Abrams, Bad Robot, como parte da negociação. Segundo o site, Abrams focará todas as atenções neste projeto, tendo em vista que a Disney pretende lançar o filme em 2015. A contratação de Abrams foi confirmada pelo representante do diretor. Gostou do novo encarregado da franquia?

[Atualizado 26/01]

A Disney oficializou a escolha de J.J. Abrams como diretor de Star Wars: Episode VII, e divulgou que ele ainda servirá como um dos roteiristas do novo episódio da saga, ao lado de Michael Arndt (Toy Story 3). A Paramount também confirmou que Abrams, mesmo com este acordo com a Disney, continuará a desenvolver projetos para o estúdio através da Bad Robot.

[com leves spoilers] Apoiado pela recepção positiva de sua visão para uma das criações mais icônicas do mundo dos quadrinhos, Christopher Nolan fez o que parecia improvável para um filme do gênero: subverteu a fórmula e criou, a partir de Batman Begins, algo que transcendeu a simples definição filme de super-herói, ampliando o universo do homem morcego transformado, em The Dark Knight, num complexo e brilhante estudo que expunha de forma crua e surpreendente a natureza moral que define o conceito de bem e mal por vezes confundido atrás das máscaras de mocinhos e vilões. Sendo assim, ainda que empalideça em alguns momentos (principalmente quando comparado com seu antecessor), Batman: The Dark Knight Rises estabelece uma rima temática perfeita com seus predecessores encerrando a trilogia com impacto e relevância.

Não, The Dark Knight Rises não é um filme perfeito. Tem problemas – sobretudo de ritmo nos dois primeiros atos por conta do excessso de personagens/subtramas e pela exposição excessiva no último -, mas quando acerta e ele acerta muito, diga-se, revela uma produção tecnicamente impecável (nos efeitos, na fotografia e na sempre imponente trilha de Hans Zimmer) que expande ainda mais as ideias do segundo filme, reforçando a tensão que se agiganta na sombra do caos e da anarquia que ganha forma na ficção, mas que no contexto atual poderia muito bem eclodir no mundo real dominado por líderanças e instituições cada vez mais fracas e homens cada vez mais manipuláveis por discursos populistas. Uma noção, aliás, que ganha força a partir do curioso vilão Bane, um terrorista tão sociopata e inteligente quanto o Coringa, mas que diferente deste, surge como um oponente muito mais físico do que psicológico para um Batman inicialmente mais fragilizado pelas marcas e escolhas às quais se submeteu.

Interpretado de forma marcante por Tom Hardy numa composição difícil de um personagem que exige um constante espírito ameaçador que se reflete nos olhares e principalmente pela sua voz (um motivo a mais para que não se assista o filme em sua versão dublada!), Bane é a força motriz da trama que sacode Gothan City e coloca tipos tão diferentes como a bela e eficiente Mulher Gato de Anne Hataway; a misteriosa Miranda de Marion Cotillard ou o jovem e idealista policial Blake de Joseph Gordon-Levitt na periferia e posteriormente no centro das ações. Oito anos depois dos eventos mostrados em The Dark Knight, é o vilão que dá início, a partir de um elaborado plano, ao fim dos tempos de paz sustentados pela mentira por trás do mito de Harvey Dent. A mesma mentira que consumiu o comissário Gordon afastando-o de sua família e provocou, para desgosto do zeloso Alfred (em atuação primorosa de Michael Caine ), a reclusão de Bruce Wayne que aqui ressurge amargurado pela dúvida e pelo conflito de não conseguir dissociar-se da máscara e da identidade que assumira como protetor da cidade e dos valores que ele abraçara.

Fazendo eco à trama de Begins em seu ato final, o grandioso desfecho imaginado por Nolan revisita a ideologia da Liga das Sombras liderada por Ra’s al Ghul construindo uma crítica que questiona com eloquência o poder e os perigos de revoluções radicais. Além disso, quando o filme termina é fácil se render à reflexão que ele fomenta em torno da ideia de que são as ações motivadas pelo bem maior e os sacrifícios oriundos que formam os verdadeiros heróis e os mitos. E como se isso fosse pouco, a sequência final deixa, de forma elegante amparada pelo aspecto emocional, uma última grande questão: será mesmo que a lenda chegou ao fim?

O ator Hugh Laurie já está em busca de seu primeiro trabalho pós-House: ele está em negociações para interpretar o vilão do remake de RoboCop, longa que terá a direção do brasileiro José Padilha (Tropa de Elite). Pra quem não lembra (ou não era nascido), o filme conta a história do policial Alex Murphy, vivido por Joel Kinnaman de The Killing, que, após ser gravemente ferido e se encontrar à beira da morte, ganha uma nova chance graças aos avanços da robótica e vira um super-tira. É como se fosse Bionic Woman, só que bom e com mais metais pesados. A produção de RoboCop deve começar no verão americano e a previsão de estreia é para 2013.

O ator Matthew Fox, mundialmente famoso por interpretar o personagem Jack Shephard em LOST, reapareceu esta semana irreconhecível em fotos de divulgação de seu novo trabalho no cinema, o filme I, Alex Cross. Visivelmente bem mais magro, Fox dará vida a Picasso, um assassino serial que é perseguido pelo detetive Alex Cross, interpretado pelo ator Tyler Perry (que substituiu Idris Elba, de Luther, que inicialmente ficaria com o papel). A direção do filme é de Rob Cohen (Triple X). O detetive Alex Cross já foi interpretado anteriormente nos cinemas pelo ator Morgan Freeman nos filmes Kiss the Girls e Along Came a Spider, ambos adaptações da obra do escritor de livros de mistério James Patterson. O filme estreia no Brasil em 2 de Novembro.

Joss Whedon é um diretor e roteirista que construiu sua carreira nas telinhas, notadamente no comando das séries Buffy: The Vampire Slayer, Firefly e Dollhouse, produções que, de uma forma ou de outra, contam com elementos fantasiosos em suas respectivas narrativas. Em The Avengers, filme que estreou na última sexta no Brasil, ele tem a árdua tarefa de tornar real o plano que a Marvel propôs no final da década passada com o primeiro Iron Man e seguiu pelos últimos 4 anos com The Incredible Hulk, Iron Man 2, Thor e Captain América: reunir todos estes heróis em um só filme. Contando com uma premissa que não deixa nada a desejar ao simplório argumento de Transformers – um cubo mágico de energia que pode destruir o planeta cai na mão de bandidos e precisa ser resgatado pelos mocinhos – o blockbuster felizmente tem um condutor que possui experiência em contar boas histórias que nascem de simples conceitos sem apelar para as alegorias de um Michael Bay da vida.

Por isso, Whedon gastou boa parte da primeira metade do longa apresentando (ou reapresentando) seus personagens de uma forma episódica e cuidadosa, sem jamais diminuir um ou outro apesar do tempo de exposição em tela diverso de cada um. Foi aí que herois secundários como a Viúva Negra ou o Gavião ganharam um bem-vindo espaço que os filmes predecessores não souberam ou não puderam dar, enriquecendo-os e desenvolvendo suas habilidades, ainda que estes não contem com poderes mais “elaborados” como os dos demais. Mas o grande trunfo de The Avengers são mesmo as particularidades de seus protagonistas e como essas características interagem entre si. Assim, as cenas de batalha do Homem de Ferro, Hulk, Thor e Capitão América contra um exército de alienígenas genérico convocado pelo mesquinho vilão Loki (muito melhor aqui do que em Thor), por mais elaboradas sejam, empalidecem diante daquelas em que eles estão, por exemplo, lutando ou discutindo entre si.

Os Vingadores são muito mais interessantes quando Tony Stark ironiza as roupas de Thor e Loki, Bruce Banner precisa controlar sua raiva para não derrubar um porta aviões flutuante com todo mundo dentro ou Steve Rogers busca soluções simples do “passado” para resolver problemas complexos no presente (“cansei de esperar o computador”). E vindo da TV, uma mídia que depende muito mais de diálogos e interpretações do que de efeitos, Whedon se sai infinitamente melhor quando está lidando com o constante choque de personalidades e um humor sagaz e referencial. The Avengers, contudo, não deixa de ser um espetáculo técnico, contando com planos sequência elaborados e sem a confusão visual costumeira de filmes-catástrofe, como aquele ao final em que a câmera percorre, uma a uma, todas as batalhas travadas em diversos pontos de Manhattan, no chão e no ar, sem cortes.

Infelizmente, o projeto peca em suas ambições narrativas ao trazer um conflito cuja resolução é batida, sem jamais transcender uma noção de “real perigo” seja para os heróis e para a “humanidade” (leia-se Nova York) que eles defendem. Ao criar uma “ampla guerra” entre mundos, o texto de Whedon impede um enfoque mais relevante ou intimista como aquele conduzido por Christopher Nolan em Batman Begins e The Dark Knight (e, certamente, em The Dark Knight Rises). The Avengers não inova o gênero de filmes baseados em quadrinhos, mas certamente proporciona uma diversão sem limites de uma forma competente e que certamente teria um resultado desastroso se não estivesse na mão de um bom e experiente diretor como Joss Whedon.

Comentários adicionais:

- Se você puder, evite o 3D, que é convertido e deixa várias cenas escuras e desconfortáveis.

- Se você puder, evite a versão dublada. Leitores informam que faltam cenas, inclusive um importante diálogo entre Bruce Banner e Steve Rogers no convés do porta-aviões no meio do filme. Triste. 

- Acharam a “Robin” de How I Met Your Mother na S.H.I.E.L.D?

- As referências de Tony Stark foram excelentes: de “Legolas” a “Shakespeare no parque”, é muito bom esta auto-ironia do filme com seus personagens.

Por Davi Garcia

Eternizado por Clint Eastwood na excelente trilogia dos dólares de Sergio Leone, a figura do protagonista que não tem nome e que com poucas palavras se revela um anti-herói de moral dúbia, ressurge com uma roupagem contemporânea em Drive, belo filme estrelado por Ryan Gosling (Diário de uma Paixão) sob o comando do dinamarquês Nicolas Winding Refn (Bronson), vencedor do prêmio de direção no festival de Cannes deste ano. Inspirado no livro homônimo do americano James Sallis, o filme narra a história de um homem que trabalha como dublê em Hollywood e que nas horas vagas, graças a seu exímio talento ao volante, faz bico como motorista para criminosos em fuga. Esse fiapo de argumento, contudo, ganha novas e interessantes camadas a partir do momento em que o motorista (Gosling) se envolve com a vizinha Irene (Carey Mulligan de Educação) e ao tentar ajudar o marido desta recém saído da prisão, descobre-se, depois de um roubo mal sucedido, sob a mira de mafiosos locais.

Num elenco cheio de nomes famosos do cinema (Albert Brookes de Taxi Driver) e, principalmente, das séries (Bryan Cranston de Breaking Bad fazendo o ‘mentor/empresário’ do motorista, Ron Perlman de Sons of Anarchy e Christina Hendricks de Mad Men), é mesmo Ryan Gosling que literalmente rouba a cena no filme. Em atuação minimalista e marcante em diferentes situações – repare, por exemplo, na forma como o motorista flerta de forma tímida com Irene (Mulligan) ou depois quando reage de forma selvagem em duas cenas, no quarto de um hotel e no elevador, dignas do protagonista de Dexter -, o ator confere personalidade e uma certa aura de mistério ao homem que, econômico nas palavras e extremamente frio, jamais deixa dúvidas sobre seu talento singular (o de dirigir, claro) ou sobre a natureza de suas intenções e motivações.

Em muitos aspectos, Drive é um filme reminiscente das décadas de 80 e 90, aquelas em que os thrillers, de forma geral, pareciam mais crus, críveis e envolventes ao se focarem muito mais nos personagens do que nos efeitos. Assim, quer seja pela estética quase sempre mais sombria e fria (amparada pela fotografia de Newton Thomas Sigel de Os Suspeitos) ou pela ótima trilha sonora (em tom retrô) que ajuda a pontuar o desenvolvimento da trama e as nuances de seu protagonista, Drive nos mostra, através dos olhos e das reações do motorista, uma história que surpreende ao equilibrar romance (um aspecto importantíssimo no filme) com boas sequências de ação, doses de violência chocante e personagens com quem nos importamos ao longo do filme e que, mesmo não fugindo totalmente da caricatura, revelam-se bem carismáticos.

Surgindo como a grande surpresa do ano no Cinema até aqui (pelo menos para mim), Drive, que estreou nos EUA no dia 16/9, ainda não tem data de estreia oficial definida para o Brasil, mas poderá ser visto como uma das grandes atrações do Festival do Rio que ocorre entre os dias 6 e 18 de outubro. Interessou? Então dá uma olhada no trailer do filme.

Por Bruno Carvalho & Camila Picheth

Steven Spielberg e J.J. Abrams começaram suas carreiras utilizando câmeras Super 8 para seus projetos, que foram lançadas em 1965. Eles também sempre demonstraram paixão pelo oculto e pelo sobrenatural, aspectos rotineiramente presente em suas obras. Por isso, Super 8 – que estreia nos cinemas brasileiros nesta sexta-feira 12 de Agosto – é o fruto desta inevitável e bem-vinda parceria. Ambientado no verão de 1979 no interior americano, o filme conta a história de um grupo de garotos que se depara com um evento extraordiário enquanto filmavam um curta de zumbis: um terrível acidente de trem que esconde mais do que eles poderiam imaginar. E em vez de roteitistas, diretores e técnicos de uma produção cinematográfica amadora, os garotos passam a ser os protagonistas de uma aventura extraterrestre.

Este seria um filme-catástrofe clássico se conduzidos por outros cineastas, mas o roteiro de J.J. Abrams (com produção de Spielberg) traz um enfoque particular, costurando de forma singela a narrativa através da paixão platônica de Joe Lamb (Joel Courtney) com a garota Alice (Elle Fanning). Super 8 ainda se apresenta como uma clara homenagem à obra de seus realizadores, trazendo elementos dos filmes Contatos Imediatos de Terceiro Grau, E.T., Os Goonies, Cloverfield, Guerra dos Mundos e, claro, das séries LOST e Fringe. Tecnicamente o filme também não deixa a desejar, com um figurino e design de produção tangíveis, inspirados em boa parte na coleção particular de revistas de Super 8 de Abrams. Os planos são construídos de maneira exemplar, captando os detalhes da cidade fictícia e retratando com eficiência as cenas de ação e a gradual descoberta pelos garotos da criatura que está à solta, mas que sabiamente é mantida oculta em boa parte da projeção.

Abrams intercala romance e mistério em Super 8 com eficiência, sem se render ao sentimentalismo barato e aos clichês. Além disso, o escritor apresenta diversas tramas paralelas que se complementam com a história principal sem ofuscá-la, notadamente aquela iniciada com a morte da mãe de Joe e esposa do policial Jackson, que é vivido com energia pelo ótimo Kyle Chandler (Friday Night Lights). Infelizmente, não posso dizer que a criatura de Super 8 é das mais inventivas (o que mais desapontou), pois sua aparência nada mais é que a soma de vários aliens visto nos cinemas nos últimos anos, incluindo Independence Day e até mesmo os aracnídeos toscos de Falling Skies (também de Spielberg). Mas felizmente o filme é capaz de surpreender e destoar do gênero com uma resolução inesperada em seu terceiro  e final ato. É uma grande homenagem aos filmes de mistério e aventura da década de 80 – uma homenagem singela de Abrams aos filmes de Spielberg que todos nós crescemos assistindo.